Liberté Hebdo

Jeux vidéo : art ou divertissement à but lucratif ?

Thomas Messaoudine — 2023-04-21T15:15:42Z

Au Palais des Beaux-Arts de Lille, le jeu vidéo fait sa loi. Jusqu'au 25 septembre, une exposition est à découvrir pour comprendre cet univers virtuel qui rencontre un succès croissant et pas uniquement chez les jeunes. S'agit-il d'un pur divertissement ou s'apparente-t-il à un phénomène artistique comme le fut jadis le cinéma ? Le débat est lancé.

Smartphone, console, ordinateur... Les plateformes de jeux vidéo sont plus nombreuses que jamais et touchent une partie croissante de la population. Selon une étude néerlandaise, il y aurait plus de 3,2 milliards de joueurs recensés dans le monde. Un nombre vertigineux pour ce que l'on considère, aujourd'hui, comme le 10e art. En effet, avec une production comparable à celle du cinéma, le jeu vidéo est considéré comme un nouvel art par le ministère français de la Culture. La qualité des graphismes est de plus en plus aboutie et les jeux à monde ouvert, où l'on peut évoluer sans contrainte de scénario, ressemblent de plus en plus à des productions cinématographiques.

« Le jeu vidéo, un art total »

« Pour moi il n'y a pas de discussion possible. Le jeu vidéo est un art total », affirme Laurent Peroy, délégué général de Game IN, une association dédiée aux jeux vidéo. « Différents types d'arts sont rassemblées dans le jeu vidéo. On y retrouve l'art pictural, l'art musical ou encore l'art cinématographique. Certaines musiques de jeu vidéo sont même devenues cultes comme celle de Tetris. Ce qui le différencie des autres, c'est le fait que le spectateur soit au centre de l'œuvre, qu'il soit l'acteur principal. Il existe par ailleurs une multitude de jeux, ceux comparés à des blockbusters et d'autres de type jeux d'arcade. » Le jeu vidéo est le premier produit culturel mondial. En 2020, les trois premiers produits vendus étaient des jeux vidéo. « Les utilisateurs sont de plus en plus nombreux et des jeux existent pour tous les publics », se félicite Laurent Peroy. Certaines utilisations du jeu vidéo vont même au-delà et débordent sur d'autres champs, comme le sport. « Le développement du smartphone et des nouvelles technologies a encouragé cette évolution. On y trouve maintenant de nouveaux usages, comme l'e-sport, ces compétitions entre joueurs professionnels. »

Une influence pour la culture

Pour comprendre l'implantation du jeu vidéo dans le monde de la culture, il faut regarder son influence sur les autres arts. On va ainsi retrouver ses références culturelles dans des musiques, des films ou des dessins animés. Cette année, c'est le film « Super Mario Bros. le film », inspiré du jeu éponyme, qui l'a démontré. Le film s'est classé très rapidement en tête du box-office et a réalisé le meilleur démarrage de l'année avec 462,9 millions d'euros engrangés en une dizaine de jours seulement. C'est également l'adaptation la plus lucrative d'un jeu vidéo au grand écran devant « Warcraft » et « Pokémon : Détective Pikachu ». Au même titre que la musique ou le cinéma, le jeu vidéo a trouvé sa place dans les foyers. « Les jeux vidéo ont désormais le même statut que la musique ou la télévision. Les joueurs amateurs réguliers sont maintenant concurrencés par un public beaucoup plus large ; la discipline s'est démocratisée », explique le délégué général de Game IN. Selon une étude du Syndicat des éditeurs de logiciels et de loisirs, 73 % des Français jouent occasionnellement aux jeux vidéo. Une autre statistique assez révélatrice sur les plus de 65 ans : 47 % d'entre eux y jouent également occasionnellement. Un phénomène qui dépasse donc la barrière de l'âge. Quand à la question « art ou pas ? », elle reste entière. Si certains jeux font l'objet de créations graphiques éminemment artistiques, la masse de la production reste mineure.

5,5 C'est, en milliards d'euros, le chiffre d'affaires généré par le marché du jeu vidéo en France. 68,1 % La part des joueurs de jeux vidéo qui jouent sur smartphone dans le monde. 273 C'est, en milliards d'euros, les recettes générées au niveau mondial par les jeux vidéo, dont 1,2 milliard uniquement pour le marché de l'e-sport. 37,4 C'est, en millions, le nombre de joueurs en France.

Ankama, la référence française à Roubaix

À l'honneur au Palais des Beaux-Arts de Lille, le studio Ankama s'affiche comme une référence du jeu vidéo au niveau national. Installé à Roubaix, le groupe s'impose en France, au début des années 2000, avec le jeu « Dofus ». Sorti en 2004, ce jeu de rôle séduit trois millions de joueurs à travers le monde au moment de son apogée, courant 2007. Chaque année, un tournoi international est organisé, sans contrainte de niveau. Alors que Disney voulait racheter leur studio, les créateurs d'Ankama, Emmanuel Darras, Camille Chafer et Anthony Roux, ont fait le choix de ne pas vendre, mais de se développer en créant une filiale d'édition et d'animation. De nouveaux projets ont alors vu le jour, dont le dessin animé « Wakfu », diffusé pour la première fois sur France Télévisions en 2008. Le groupe a su se développer à l'international en ouvrant des studios au Japon, au Canada, aux États-Unis ou encore au Brésil. Après avoir racheté une entreprise japonaise, Ankama a décidé de fermer plusieurs de ses filiales afin de se consacrer pleinement au développement de cette nouvelle acquisition en France et au Japon. Le prochain évènement majeur du studio devrait être la sortie du jeu « Temporis 2 Rétro », une extension de « Dofus ». Initialement prévu le 19 avril, le jeu va finalement sortir le 10 mai. Une pré-inscription est possible jusqu'au 30 avril.

Avec Isamu Noguchi, le LaM s'offre une première nationale

Nadia DAKI — 2023-03-17T15:55:40Z

Le LaM (Lille métropole Musée d'art moderne, d'art contemporain et d'art brut) vient de passer l'âge de la maturité. Après quatre décennies d'expositions ambitieuses, il continue de conforter sa place de musée régional à dimension internationale. Retour sur ses débuts difficiles.

Le LaM, situé à Villeneuve d'Ascq, a décidé de marquer le coup pour ses 40 ans. D'abord avec l'exposition consacrée à Isamu Noguchi au printemps puis celle dédiée à Anselm Kiefer à l'automne. Pourtant, l'histoire du musée n'a pas été un long fleuve tranquille. Inauguré en 1983, il fait 20 000 entrées lors de sa première année. Arrivée en 1987, Joëlle Pijaudier-Cabot en sera la directrice et conservatrice en chef pendant 19 ans. Elle se souvient encore des débuts laborieux. « Les murs étaient certes là, mais tout était à faire, raconte-t-elle. Nous avons développé les collections d'art moderne et contemporain et créé un service éducatif. »

À la recherche de son public

Local, régional, frontalier, le public peine à fréquenter le musée dans les années 90. Jean-Michel Stievenard, maire de Villeneuve d'Ascq de 2001 à 2008, s'est occupé du développement du musée aux côtés d'Ivan Renar, pendant vingt-cinq ans. « La conquête du public a été difficile, se souvient-il. En 1984, on fait encore 20 000 entrées. Puis en 1986, le nombre de visiteurs est passé à 60 000 et ensuite, les chiffres ne sont plus jamais redescendus. » Des expositions plus ambitieuses commencent à se monter. « La grande exposition consacrée à Fernand Léger en 1990 donne un rythme, ouvre le musée à un public plus large mais aussi à l'art moderne », explique Joëlle Pijaudier-Cabot. Le point d'orgue est atteint en 2004. Dans le cadre de Lille Capitale européenne de la culture, le musée programme l'exposition Mexique- Europe. Succès garanti puisque 180 000 visiteurs s'y sont rendus. Dans le même temps, un projet d'extension se concrétise. « Un musée qui ne s'élargit pas n'augmente pas sa gamme, estime l'ancien édile. La collection Masurel est certes fascinante mais quand on l'a vue cinq fois, on ne va pas la voir une sixième fois. L'arrivée d'une collection d'art brut était le bon prétexte pour justifier cette extension. »

De l'extension au risque de fermeture

Décidée en 2000, elle est inaugurée en 2009 après de multiples péripéties. « C'est la première fois que Pierre Mauroy m'a fait du “stop and go”, souffle-t-il. Il avait quelques réticences à l'idée de mélanger art moderne et art brut. » De plus, les financements des collectivités sont, un temps, en suspens. « Ce fut une partie de bras de fer douloureuse d'au- tant plus qu'une fois les subventions garanties il a fallu articuler l'extension sur l'ancien musée et là on a découvert des irrégularités sécuritaires, notamment en termes d'installations électriques. Un rapport préconisait même la fermeture du musée », indique-t-il, encore médusé. Aujourd'hui, sa renommée n'est plus à faire. « C'est un musée qui a su développer ses collections tout en travaillant avec des grands musées internationaux en coproduction pour des expositions qualitatives très attractives, partage avec fierté Joëlle Pijaudier-Cabot. C'est le résultat du travail des conservateurs et directeurs successifs et de la volonté d'élus enthousiastes comme Jean-Michel Stievenard, Pierre Mauroy et Ivan Renar. » Malgré un parcours semé d'embûches, l'ancien maire en est convaincu, l'avenir du musée passe par une nouvelle extension. « C'est une évidence », sourit-il.

180 000 Visiteurs pour l'exposition Mexique-Europe, c'est le pic de fréquentation en 2004 202 expositions ont été réalisées en 40 ans

Isamu Noguchi du 15 mars au 12 juillet

Première grande rétrospective en France de l'artiste nippo-américain, l'exposition s'articule autour de 250 œuvres, pour certaines jamais exposées en France voire en Europe. « Certaines pièces ont eu une visibilité toute relative en France. Pour préparer l'exposition, ce fut long. Les négociations ont commencé avant le Covid. Aujourd'hui, avec des coûts de transport qui ont flambé, plus de 40 % sur le fret, on ne pourrait plus monter cette exposition. Il faudra même attendre 20 à 30 ans pour espérer le faire », insiste Sébastien Delot, directeur-conservateur du LaM. Inédite donc. Fin dentelier de la matière, Isamu Noguchi mélange les matériaux (dessins, sculptures, laiton, marbre, etc.). Il maîtrise également le mouvement et la lumière. C'est d'ailleurs le créateur des Akaris, ces lampes, souvent rondes ou ovales, en papier.

L'enlumineur de notre mémoire

ALPHONSE CUGIER — 2022-12-02T12:19:11Z

Fruit d'une donation exceptionnelle, cette exposition rend hommage à l'œuvre novatrice de Pierre Dubreuil (1872-1944) de retour dans sa ville natale. Lui qui, de son vivant, jouissait d'une célébrité internationale acquise très tôt (il est présent dans toutes les grandes expositions de l'entre-deux-guerres), est tombé dans l'oubli, absent des ouvrages d'histoire de la photographie et des collections des musées français. Seuls Hambourg, Anvers et Lille possèdent quelques dizaines de clichés ; à Orsay, Pompidou, New York, Los Angeles et Detroit, ils se comptent sur les doigts d'une main. Deux raisons : son atelier lillois a été dévalisé pendant la guerre 14-18 et une grande partie de ses négatifs et de ses archives qu'il avait vendus par nécessité à la firme belge Gevaert, a été détruite lors des bombardements alliés de la Deuxième Guerre mondiale. C'est le collectionneur américain Tom Jacobson qui en 2020 a fait don d'une centaine de tirages au palladium, procédé qui permet une gamme de tons riche et délicatement variée.

Figure pionnière du pictorialisme

Pierre Dubreuil fut un précurseur d'une photographie de recherche esthétique où l'idée précède la pratique. Une série de ses œuvres exposées au Photo Club de Paris le lance comme un des artistes majeurs du pictorialisme rejoignant en ce domaine l'américain Alfred Stieglitz qui relève tous les défis techniques (tempête de neige, déluge de pluie, pleine nuit) avec ses tirages au palladium. Pour Émigrants, Stieglitz en 1907 saisit leur arrivée en Amérique et Dubreuil, en 1912, d'autres en partance d'Europe (composition rythmée : la fixité des émigrants sur le quai et de la masse noire de la quille du navire opposée au mouvement miroitant de l'eau). Il excelle dans le domaine de la photo « pure », refuse les limites du naturel pour aboutir à l'essence même de cet art à la frontière ténue entre artifice et réalité. Le visiteur prend plaisir à se laisser séduire par le charme discret de ces clichés situés dans une distance poétique, en l'occurrence fabriquée et fictionnelle, tout en préservant leur contenu réaliste. Éléphantaisie, 1908 : au premier plan la trompe levée de l'immense éléphant en fonte d'Emmanuel Fleuret semble saluer ou jouer au dompteur avec une Tour Eiffel estompée par le brouillard.

Éléphantaisie, 1908, tirage moderne au palladium. Don Tom Jacobson. Palais des Beaux-Arts de Lille.

L'ombre est à ses yeux la présence de l'objet dans un instant précis, d'où le brillant translucide de celle d'un verre ou le jeu tout en lignes brisées et angles aigus de celle de cocottes en papier. La lumière leur rend la vie, les sort de leur banalité, de leur usage (défilé silencieux de tasses de thé). Ainsi, il accorde les mêmes égards aux choses inanimées qu'aux êtres vivants, n'hésitant pas à créer des « images » à fondre de nostalgie : les petits Soldats ou les quilles tombées au premier plan alors que le garçonnet est à l'arrière plan (instantanéité décalée). Parfois, il intervient dans ses sujets : La Comédie humaine, théâtre de marionnettes, est-elle un autoportrait, le photographe tire-t-il les ficelles derrière l'objectif ? L'humour est aussi au rendez-vous, ce qui est cadré dialogue avec le titre : Agents de liaison (pelote de laine et ficelle), Antithèse met côte à côte clous et tenaille, Sésame en compagnie des ses gardiens fidèles que sont clés et serrures. Tempus fugit est le portrait d'un garçon encadré derrière une pendule dont l'extrémité étoilée du balancier tient le rôle du nez. Cette rétrospective au parcours chronologique d'un artiste tout en trouvailles et intuitions fait les délices du visiteur en le surprenant sans cesse : résurrection d'un photographe sacrément talentueux et doué pour nimber le quotidien de sérénité et d'enchantement.

Martha Desrumeaux et la lutte des femmes

PIERRE GAUYAT — 2022-11-21T10:38:16Z

Martha, après un très long détour, est de retour chez elle, à Comines, avec une exposition de l'association des « Ami-e-s de Martha Desrumeaux », du 14 au 25 novembre, à l'hôtel de ville.

Les lecteurs de Liberté-Hebdo connaissent Martha Desrumeaux, cette illustre militante et dirigeante de la CGT et du PCF.Elle est née à Comines, en 1897. Orpheline à 9 ans, elle est obligée de gagner sa vie et travaille au déchargement des betteraves, comme bonne d'enfants, puis dans les usines textiles si nombreuses à l'époque dans la vallée de la Lys.Ces rudes conditions de vie l'amènent à se syndiquer à la CGT à l'âge de 13 ans. Elle rejoint le PCF dès 1921 et anime de nombreuses grèves dans les usines textiles de la région. En 1936, elle est la seule femme à participer aux accords de Matignon qui débouchent sur les 40 heures et les congés payés.Résistante, elle est déportée à Ravensbrück en 1942. Revenue en France en 1945, elle est élue adjointe au maire de Lille et désignée à l'Assemblée consultative. Après la guerre, elle continue d'exercer des responsabilités à la CGT puis à la FNDIRP et à l'UFF. Elle décède en 1982, à 85 ans, à Évenos, dans le Var, quelques heures après son époux, Louis Manguine.

C'est à cette femme du peuple au destin extraordinaire que cette exposition rend hommage. Elle se compose de deux parties, l'une historique due à l'historien Pierre Outteryck, et l'autre artistique qui pré-sente des œuvres d'artistes très divers qui évoquent la vie de Martha au travers de tableaux, de sculptures, de mosaïques.Le vernissage s'est déroulé le lundi 14 novembre à l'invitation du maire de Comines, Éric Vanstaen, en présence de nombreuses personnalités comme Éric Bocquet, sénateur du Nord, Brigitte Liso, députée, Jacques Houssin, conseiller départemental, Martine Filleul, sénatrice du Nord, ainsi que des représentants de l'Union locale CGT de Comines, de Matthias Watelle, secrétaire général de l'Union locale CGT de Lille et des enfants du Conseil municipal des jeunes.Devant un public nombreux, les parlementaires présents lors du vernissage se sont engagés à solliciter à nouveau le président de la République afin que Martha, ouvrière et fille du peuple, fasse son entrée au Panthéon.Martha Desrumeaux et la lutte des femmes, du lundi 14 au vendredi 25 novembre 2022, hôtel de ville de Comines, aux heures d'ouverture.

« N'ayez rien chez vous que vous ne sachiez utile ou que vous ne croyez beau » : Williams Morris

ALPHONSE CUGIER — 2022-10-28T09:13:54Z

L'œuvre de William Morris est présentée pour la première fois en France à Roubaix. Cet artiste éclectique anglais du 19e défendait l'idée que l'art est dans tout et pour tous. Il s'opposait à l'industrialisation et à la déshumanisation des savoir-faire artisanaux.

Artiste polyvalent, William Morris (1834-1896) fut dessinateur, peintre, écrivain, pionnier du design, architecte, calligraphe, enlumineur, typographe, imprimeur... un dialogue entre les arts. Référence internationale lors de l'éclosion de l'Art Nouveau en 1890, il n'a pas eu par la suite les honneurs qu'il méritait, mal aimé des musées et historiens français. Il n'avait jamais été présenté en France, négligence aujourd'hui réparée. C'est la redécouverte de l'Art Nouveau dans les années 1960 que les travaux de ce touche à tout de talent connurent un regain d'intérêt. Militant politique et écologique, il est l'un de ceux qui initient le mouvement socialiste britannique. Il s'engage totalement dans les luttes sociales, dit « non » à tous ceux qui domestiquent l'homme et participe aux manifestations ouvrières. Ses idées d'une société plus équitable hérissent les gens de biens d'une Angleterre victorienne, puritaine qui voudraient que tout artiste se tint tranquille. Et c'est ainsi que ce qui ne relève pas du « pur débat artistique » est gommé.

Éloge du beau dans le quotidien

En 1856, étudiant, il fait la connaissance des peintres préraphaélites Rossetti, Burne Jones qui prennent pour modèle la peinture italienne du 15e siècle. Rencontre déterminante qui l'amène à se consacrer aux arts décoratifs. En assistant à l'Exposition Universelle de Londres de 1851, il avait été choqué par la laideur des pièces fabriquées par l'industrie. L'esthétique et le profit étant incompatibles, il veut démocratiser l'art, persuadé qu'un ouvrier peut être à la fois artisan et artiste. Échappant aux injonctions de rentabilité du système capitaliste, redonnant aux objets, même les plus usuels, une dimension esthétique, son travail contribue à son épanouissement. « N'ayez rien chez vous que vous ne sachiez utile ou que vous ne croyiez beau ». William Morris instaure ce qui sera nommé les Arts & Crafts qui prône l'art dans tout et pour tous.Créateur maître de ses projets, il abolit l'opposition instituée entre un art qualifié de noble et les arts dits mineurs, arts appliqués en particulier et instaure une continuité entre le décor (papiers peints, tapisseries, vitraux), le mobilier et les objets que celui-ci rehausse : les personnes qui y vivent deviennent les complices d'une intimité. La maison familiale qu'il a fait construire et qu'il a dessinée avec l'architecte Philipp Webb, la Red House est un véritable manifeste de ses idées, tout y est fait par des artisans.Entre utopie socialiste, bijoux et arts décoratifs élitistes, ce créateur pour une clientèle aisée est le héraut de contradictions mais celles-ci ne l'immobilisent pas : les salaires de ceux qui les fabriquent doivent être élevés et le travail effectué dans la dignité. Il favorise, avec l'aide d'artisans, la mise en place dans les campagnes d'ateliers collectifs dont les bénéfices sont partagés entre les ouvriers.

Un Graal réinventé

William Morris est connu hors d'Angleterre pour ses textiles et ses papiers peints aux motifs romantiques raffinés entrelacés. Les amateurs de littérature fantasy peuvent lui être redevables, ses recherches et traductions concernant la culture celte et le Moyen Âge nourrissent son inspiration, un Moyen Âge fantasmé qu'il oppose à l'époque industrielle. Les manuscrits médiévaux etleurs enluminures libèrent l'imagination et servent à démocratiser la beauté. Il crée sa maison d'édition, publie ses propres textes mettant en scène des mondes imaginaires, surnaturels ainsi que de vieilles légendes, les écrits de ses amis artistes, avec des polices de caractère qu'il a inventées, livres illustrés comportant des marges florales dérivées des tapisseries et d'œuvres de Burne Jones.Plus d'une centaine d'œuvres (papiers peints, tentures, mobilier, dessins, peintures de Rossetti, Burne Jones, Hunt, Millais) sont présentées dans une ambiance feutrée et chaleureuse, les murs des salles de l'exposition étant tapissés de créations de William Morris, scénographie immersive imaginée par Cédric Guerlus. Le catalogue publié sous la direction de Sylvette Botella-Gaudichon est un livre-somme, un monument, non seulement d'une érudition généreuse et accessible, mais de vie. Les titres des articles de quelques uns des neuf auteurs qui nous ouvrent, avec tant de science et de bonheur, un univers auquel l'Art Nouveau puisera largement, suffisent à nous convaincre de l'apport fondamental de cet artiste dans la reconnaissance des arts appliqués et du dynamisme de son imagination visionnaire toujours en partance : « Une utopie réaliste », « Refuser une terre sans joie », « Le Livre idéal comme incarnation du rêve », « Préraphaélisme : entre revival, conscience et rêve éveillé »...

Exposition à La Piscine, Roubaix jusqu'au 8 janvier 2023. Catalogue, éditions Snoeck, 22 x 27 cm, 208 pages, 160 illustrations, 35 €.

L'art en liberté, figures de lumière et parti pris de la vie

ALPHONSE CUGIER — 2022-10-21T12:10:00Z

Si l'exposition Niki de Saint Phalle nous ravit par sa somptueuse abondance, le catalogue en rend compte d'une manière à la fois riche, claire et suggestive.

Monumentalité, mise en scène festive, indépendance, revendication féministe, engagements politiques et sociaux caractérisent l'œuvre prolifique de Niki de Saint Phalle (1930-2002), artiste qui a couvert tous les champs de l'art : peinture, gravure, sculpture, cinéma, performance, mobilier, objets, livres, autobiographie. Ses Nanas, Vénus bien enveloppées, imposantes, lumineuses et aériennes, continuent de susciter l'enthousiasme du public. Elle les a réalisées dans les années 1960 en hommage à une amie pour qui les grossesses étaient des périodes de pur épanouissement. Les Nanas irradient une vitalité jubilatoire, femmes-flammes mises en majesté qui dament le pion à la gent masculine, le temps des soumises étant révolu.

Le Jardin des Tarots

Niki de Saint Phalle ne s'enferme pas dans la rondeur ludique et colorée de ses Nanas et, durant les décennies 1980 et 1990, voulant surpasser le Palais idéal du Facteur Cheval à Hauterives et les réalisations de Gaudi à Barcelone, elle se consacre à son Jardin des Tarots à Capalbio en Italie, habité par 22 sculptures monumentales, effigies totémiques, poème visuel d'éclats chamarrés de céramique, de tessons de miroirs, mosaïques qui nous disent « nous sommes des êtres multiples, changeants ». Le visiteur entre dans un spectacle inouï et délirant, exaltant la femme et la vie et qui laisse au fond des yeux la trace d'un manège grandiose d'images chatoyantes. Il relève du merveilleux, du conte, du voyage initiatique, concentration d'émotions, de peurs, de désirs, d'indicibles secrets enracinés depuis l'enfance. Le Jardin joue sa partition, le beau accessible à tous, adultes et enfants qui y pénètrent, accueillis dans le ventre de l'Impératrice, Déesse-Mère (dans le catalogue, cinq photos des étapes de sa construction). L'article de Lucia Pesapane précise que ce lieu communautaire, espace privilégié de communion avec le vivant, réalisé par des femmes et des hommes venus d'une douzaine de pays « détruit le mythe de l'artiste solitaire ». Julie Crenn associe Niki de Saint-Phalle à des artistes comme Frida Kahlo, Leonor Fini entre autres qui créent des liens sociaux : « Nous nous aveuglons comme nous nous éclairons les uns les autres ». Karine Lacquemant s'enquiert du mobilier d'artiste comme décor de la vie, objets en matériau de synthèse pour renouveler le cadre du vécu quotidien. Avec des Nanas déclinées en trois formats et des foulards, bijoux, pin's (au coût accessible) diffusés dans les grands magasins, l'artiste peut se consacrer financièrement à l'achèvement du Jardin des Tarots.

Indépendante et engagée

Niki de Saint Phalle est restée toujours libre de ses choix, tant artistiques que politiques et sociaux. Elle s'engage auprès des malades du sida, cette « Peste », nouveau cavalier de l'Apocalypse, témoigne par des sculptures de sa solidarité pour le combat mené en faveur des droits civiques aux États-Unis. Sa série en 2001 dirigée contre George W Bush et ses « valeurs » guerrières traduit les réactions de son angoisse. Déjà en 1969, son Péril jaune détournait un poncif raciste : la guerre du Vietnam est prise pour cible par une joyeuse représentation d'une danseuse en maillot de bain, tout de jaune vif recouverte. Tout au long de sa vie, Niki de Saint Phalle « écrit, réécrit, dessine, confesse et (se) joue », note Mica Gherghescu : textes, dessins et peintures en résonance, création graphique et picturale portant la parole et l'image à leur plein feu. « Écriture à qualité magique » qui englobe formes épistolaires, livres, autobiographie. En 1994, dans Mon secret, elle révèle l'inceste qu'elle a subi à onze ans par son père ; ce viol dit-elle « me rendit à jamais solidaire de tous ceux que la société et la loi excluent et écrasent ». Cet aveu a entraîné une relecture de son œuvre, dès lors dotée d'une complexité et d'une pertinence nouvelles, source de questionnements tout en demeurant source d'émerveillements. Découvrant le catalogue, le lecteur ébloui est livré au vertige de la densité, incessant battement d'intensités qui démontre la faculté de renouvellement de Niki de Saint Phalle.

^{Catalogue de l'exposition Niki de Saint Phalle. Les années 1980 et 1990, l'art en liberté, présentée aux Abattoirs, musée - Frac Occitanie Toulouse, jusqu'au 5 mars 2023. Catalogue sous la direction d'Annabelle Ténèze et Lucia Pesapane. Gallimard, 224 pages, 22 x 27 cm, 150 illustrations, œuvres produites entre 1970 et 2002, 35 €.}

La mort n'existe pas, 2001, lithographie, 62 x 48 cm. Collection MAMAC Nice. Copyright Niki Charitable Art Foundation. Copyright Photo Muriel Anssen/Ville de Nice

Sur les traces des disparus de la Grande guerre

Violaine Vanoyeke — 2022-10-17T10:16:12Z

C'est une exposition (gratuite) à ne manquer sous aucun prétexte à Lens Liévin au Mémorial 14-18 Notre Dame-de-Lorette. On peut la découvrir du 15 octobre au 31 décembre 2022, puis du 1er février au 5 mars 2023. La matière est extrêmement riche et rigoureuse couvrant le retour aux sources d'un métier. Aujourd'hui, 700 000 soldats, encore disparus, manquent à l'appel. Les dangers, lors des fouilles faites à ce sujet, sont réels et devraient dissuader les archéologues amateurs de se lancer dans de telles recherches : les engins de guerre vieux d'un siècle peuvent être actifs. Ces fouilles nécessitent l'assistance de la police, de la gendarmerie et de démineurs de la sécurité civile. L'occasion de découvrir aussi leurs actions périlleuses et fascinantes dans l'archéologie de la Grande Guerre.Après de nombreux débats dans les années 90 pour savoir si l'archéologie pouvait réellement apporter quelque chose sur cette période récente et bien documentée, l'archéologie de la Première Guerre mondiale s'est imposée d'autant que le travail de quelques pionniers a permis de retrouver des corps de défunts qui ont été identifiés. Parfois considérées comme dérangeantes, ces fouilles permettent néanmoins de reconstituer une période fondamentale de l'Histoire sur les traces des principaux acteurs jusqu'à la restitution des corps retrouvés aux familles. « Sur les traces des disparus de la Grande Guerre » est une immersion dans l'univers de l'archéologie historique avec un objectif pédagogique, le tout enrichi de photographies qui font plonger le visiteur dans l'atmosphère de l'époque. Je n'y vois aucun autre message. Inutile de rendre la vie actuelle pesante avec des souvenirs douloureux du passé. Le devoir est d'oublier les noirceurs et il est plus qu'impératif d'alléger l'existence. Mais l'Histoire est essentielle et seuls les événements historiques doivent rester en mémoire sans haine, sans colère et sans peine. Voilà pourquoi cette démarche scientifique est intéressante. Les faits historiques, comme le disait l'historien Thucydide, doivent être connus pour servir de leçons ou d'exemples. C'est leur intérêt primordial à condition qu'ils soient présentés factuellement sans être déformés par l'émotion, une démagogie actuellement envahissante et sans but propagandiste.

^{L'exposition sera visible du 15 octobre au 31 décembre 2022, puis du 1er février au 5 mars 2023, au centre d'Histoire du Mémorial 14-18 Notre-Dame-de Lorette, 102 rue Pasteur, Parking par « chemin de lens », 62153 Souchez.}

Arthur Conan Doyle en vedette

Jacques Kmieciak — 2022-10-07T09:11:48Z

Le château d'Hardelot consacre une exposition à l'écrivain britannique Arthur Conan Doyle, le créateur de Sherlock Holmes.

Un hommage à Conan Doyle (1859 – 1930) ? Rien de plus naturel dans cet édifice que son propriétaire actuel, le conseil départemental du Pas-de-Calais, destine à la célébration de l'Entente cordiale entre la France et la Grande-Bretagne. « Avec Conan Doyle, on est en plein dans l'ère victorienne à l'époque de la construction, par un industriel anglais dans les années 1860, de ce manoir de style néotudor. Cet écrivain écossais était d'ailleurs francophile et francophone. Sa mère avait des racines françaises. Durant la Première Guerre mondiale, il est venu soutenir les soldats britanniques sur l'arrière-front à Montreuil-sur-Mer et Abbeville », précise Jennifer Chilaud, médiatrice culturelle. Un sujet de Sa Gracieuse Majesté idéal donc pour évoquer la culture et l'amitié franco-britanniques.

À l'ombre de Sherlock

Cette exposition a le mérite de « mettre en lumière la vie extrêmement riche d'un homme qui a vécu dans l'ombre de Sherlock Holmes. À un moment de son existence, Conan Doyle l'a détesté. Il le tuera d'ailleurs avant de le ressusciter… pour l'argent ! Des lecteurs, oubliant que Sherlock était un personnage de fiction, écrivaient à Conan Doyle lui demandant de lui transmettre leur courrier. Il trouvait ça réducteur. Il aurait surtout aimé être reconnu comme romancier historique. Il a aussi écrit des ouvrages d'aventure comme Le Monde perdu adapté au cinéma en 1925 », poursuit notre guide.

Sir Arthur Conan Doyle

Écrivain aux multiples facettes

Conan Doyle n'a en effet consacré que quatre romans au célèbre détective londonien et 56 nouvelles. « C'est à partir du moment où celles-ci sont parues dans The Strand Magazine qu'il a connu le succès », indique Jennifer soucieuse de rappeler les multiples facettes de cet ophtalmologiste de formation. Engagé comme médecin sur un baleinier, il voyage en Afrique et en Arctique. Sportif, il aurait été le premier touriste britannique à chausser une paire de ski en Suisse. Fervent patriote, il soutient la cause britannique lors de la Guerre des Boers en Afrique du Sud ; ce qui lui vaut un anoblissement en 1902. Surtout, il devint un inconditionnel adepte du spiritisme. Il consacre à cette discipline de nombreux articles et une tournée à travers le monde qui « attira 300 000 personnes en 1920 », apprend-t-on en parcourant une exposition montée avec le concours de Camille Renversade qui a mis à disposition une partie de sa collection et de Dominic Marquet, membre du Cercle holmésien de Paris.

^{L'exposition Le Monde de Conan Doyle À l'ombre de Sherlock Holmes est visible du mardi au dimanche de 10 à 12h 30 et de 13h 30 à 18h jusqu'au 6 novembre au château d'Hardelot, 1, rue de la Source à Condette. Tarif : 3 euros. Le site : https://chateau-hardelot.fr/. Rens. au 03 21 21 73 65.}

L'Egypte ancienne à l'honneur

Violaine Vanoyeke — 2022-09-09T11:56:32Z

Pour les amoureux (très nombreux) de l'Egypte ancienne, plusieurs expositions sont incontournables. 1,42 million de visiteurs avaient été voir à Paris l'exposition consacrée à Toutankhamon, celle du Louvre-Lens consacrée à Champollion commence le 28 septembre. En attendant, Champollion et son déchiffrement des hiéroglyphes sont à l'honneur à la Bibliothèque nationale de France à Paris. À partir du 27 avril l'exposition sur « Les pharaons des deux terres, les rois de Napata » a été enfin présentée au Musée du Louvre, période mal connue du public hors des sentiers battus qui va intéresser les passionnés d'Egypte.

Marseille mettra, elle aussi, bientôt à l'honneur pas moins de trois cents pièces provenant de collections françaises et européennes prestigieuses, issues du musée d'Archéologie méditerranéenne de Marseille, du musée du Louvre , de la Bibliothèque nationale de France , du British Museum, du musée d'Orsay, des Musées royaux d'Art et d'Histoire de Belgique, du musée portugais Calouste Gulbenkian, du Kunsthistorisches Museum de Vienne, du Museo Egizio de Turin, de l'Ashmolean Museum d'Oxford, avec le concours des bibliothèques de Marseille (probablement à partir de juin).

Quant à l'exposition itinérante « Ramsès et l'or des pharaons », sur le thème de l'or, elle va passer de pays en pays. Selon le journal égyptien « Egypt Independent », elle devrait être visible à la Grande Halle de La Villette à Paris en 2025 après l'avoir été à Houston, San Francisco, Boston et Londres. Une tournée mondiale qui avait été programmée du mois de novembre 2021 jusqu'au mois de janvier 2025. Près de deux cents objets devraient être exposés, et selon la presse égyptienne, la statue de Khafre en or pur. Certaines pièces datent de la remarquable dix-huitième dynastie (celle de Toutankhamon, de Néfertiti et des Aménophis) et de l'époque ramesside. Cette fois-ci Paris devrait clôturer cette remarquable tournée à la logistique exceptionnelle.

^{Champollion La voie des hiéroglyphes 28 septembre 2022 – 16 janvier 2023 au Louvre-Lens}

Au temps béni de la contrebande

JACQUES KMIECIAK — 2022-09-09T11:40:05Z

Aujourd'hui trentenaire, le musée de la Vie frontalière nous plonge dans une époque révolue où douaniers et fraudeurs se livraient un combat sans merci.

À l'étage se dresse fièrement Henri le douanier, un géant qui incarne ce temps où Godewaersvelde était un haut lieu de la contrebande, « comme toutes les autres communes frontalières du secteur. Ici, on est à deux km de la Belgique », lance Martial Waeghemacker, adjoint au tourisme. Une frontière dont le tracé « n'a pas bougé depuis 1820 et le traité de Courtrai. Aucune rivière, aucune montagne ne séparent pourtant nos deux pays. Cette frontière est d'autant plus artificielle que des deux côtés, on a longtemps parlé la même langue, vécu les mêmes conditions de vie de paysans, pratiqué une religion identique ». L'absence d'obstacles naturels et des marchandises moins chères en Belgique ont évidemment favorisé la fraude.

« C'était tendu ! »

« Il y avait deux sortes de fraudeurs, les occasionnels dénommés pacotilleurs, qui se procuraient un peu de tabac, une plaque de chocolat ou autres (fil, grains, alcool, etc.), et les semi-professionnels qui pouvaient, chaque soir, passer jusqu'à 20 kg de tabac », précise Martial Waeghemacker avant de rappeler que « l'on n'était pas fraudeur par plaisir, mais parce qu'on était pauvres. Un ouvrier agricole pouvait doubler ses revenus grâce à la fraude ». Le public « apprécie ce côté « Robin des Bois » de confrontations entre les contrebandiers qui habitaient le village et les douaniers qui représentaient l'ordre. Ce n'était cependant pas marrant tous les jours. Ça castagnait dur. C'était tendu. Ici, il y avait trois casernes de douaniers qui venaient de l'extérieur. Quant aux tricheurs, ils risquaient la prison », poursuit-il.

Au pays d'Al Capoen

D'emblée, le visiteur est confronté à une série d'objets contemporains saisis par les Douanes, de cette peau de tigre jusqu'aux sacs à main contrefaits. D'autres témoignent de l'ingéniosité déployée jadis par les fraudeurs comme cette poussette pour enfants, cette moto au réservoir trafiqué ou ces galoches en bois à talons amovibles… Des outils évoquant les techniques de surveillance à l'instar de cette canne-sonde servant à contrôler les récipients et parfois utilisée pour achever les chiens de fraude interpellent tout autant le touriste. Tout comme ce lit d'embuscade où le douanier à l'affût se réfugiait la nuit ou encore des chausse-trappes utilisées afin « d'arrêter les voitures de contrebande, véritables engins d'assaut conçus pour enfoncer les barrières des postes-frontières ». « C'était un peu le go fast de l'époque », se marre l'élu qui évoque avec émotion l'itinéraire d'Albert Capoen, un fraudeur du cru devenu « passeur de mémoire ». Il était surnommé Al Capoen par ses pairs !

^{Le musée situé 98, rue des Callicanes à Godewaersvelde, est ouvert les vendredis, samedis et dimanches de 14h 30 à 17h 30, jusqu'au 31 octobre. Réservation possible les autres jours pour les groupes. Rens. au 03 28 42 50 06. L'exposition temporaire annuelle y est consacrée aux chaumières flamandes.}